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自动伴奏的制作之我见
[2009-06-30]
　　这个帖子的初衷是想把自己积攒的一点点经验提供给每个论坛上的爱好者，大家共同探讨，绝对不是什么说明书，希望大家本着和我一样试验的观点来看以下文字：）

　　1、了解风格元素。在制作自动伴奏之前首先要知道一般自动伴奏所包含的所有因素。包括：前奏，正常进行模板，变奏式模板，进行中节奏填充，转变奏节奏填充，尾奏，BREAK等等。每个元素的基本参数可指定，比如录制时采用的拍号，省缺速度，基本调，和弦模进的基本和弦属性（大三，大七，属七，九和弦，挂四转大三等等），每个元素可循环的固定小节数，可供录制的基本音轨数（YAMAHA等最大8轨，CASIO除MZ-2000外都是5轨），前奏尾奏属于大调还是小调，配器方案（每个伴奏轨的音色指定以及中途切换音色），音轨的8度范围（如GUITAR和BASS等一般降低8度）等等。

　　2、风格化。自动伴奏是模式化的助奏方式，一般都是按照指定小节数循环播放事先录制的事项，所以在制作自动伴奏之前，必须能大概描述自己制作的节奏型伴奏型属于什么风格。流行歌谣类一般是16小节为最完整的循环长度，（当然前奏式尾奏式很个性，可以自己界定，节奏填充一般都是1小节长度）；BLUES完整为12小节一循环，所以指定的基础循环长度以4小节为妥，且基础和弦都采用属七；爱尔兰风格多5拍和7拍等复拍子，华尔兹一般是3拍为主，HOUSE，RAVE一般都采用完整8拍的偶数倍小节数循环，拉丁及JAZZ制作循环的长度越长，实时感越强等等，在于自己对基本风格的理解和实际制作的需要。

　　3、BASS和鼓音色的选择。关于BASS，古典风格以声学贝司（音乐会低音提琴）的拨奏为主，进行曲及经典波尔卡选用低音大号，经典摇滚（包括布基乌吉）选用拨奏电贝司，流行歌谣或用指弹贝司或用无品电贝司，舞曲用各种合成贝司，SWING用声学贝司行走低音，BLUES用拨奏电贝司，等等。鼓音色选择很重要，因为最个性和最灵性的东西都通过它来表现，电子风格的曲子多用合成鼓，JAZZ多用JAZZ和刷子，硬摇滚用房间类鼓，金属多用POWER鼓，拉丁多加康加、钢鼓、牛铃、伦巴刮、沙锤等打击乐增加色彩，弗兰门格以及斗牛舞等西班牙风格加响板，古典风格用交响类鼓（军鼓以及定音鼓三角铁等等）HIP-HOP，FUNK，SOUL等等节奏布鲁斯风格多尝试用带房间混响类或LO-FI噪音效果的鼓，等等。鼓和贝司构成了伴奏的基本框架和风格的基本织体，所以是最重要的。

　　4、琶音声部。并不是所有风格都需要琶音的。歌谣类风格依赖琶音的节拍提示和和声场面展开，而金属类则不需要琶音，主要靠失真吉他的五度和声丰满和弦声部和节奏织体；琶音声部的音色选择很多，主要是钢琴，电钢琴，吉他，竖琴，班卓（兰草音乐常用费德利提琴和班卓的快速16分支点音符分解），弦乐拨奏，马林巴，BELL，颤音琴，等等。视实际情况而定。

　　5、柱式以及变化。在没有鼓、贝司或很简捷明朗的伴奏乐段，当然钢琴的柱式，或是吉他的扫弦，或是弦乐手风琴等等至关重要。因为它为后面的音乐情绪发展提供悬念对比，并且还要为当前旋律声部提供最必要的助奏。既不能太激烈，也不能不考虑伴奏声场对旋律的烘托，这完全依赖制作者对音乐的理解以及单一乐器伴奏的偏好。一般歌谣类的A段都会用这样的简单伴奏。

　　6、铺垫声部。它是融合所有声部的媒介，就像胶水一样，把鼓，贝司，吉他，钢琴，旋律声部等自然地融会加厚。弦乐，人声合唱，电子风琴，合成铜管，等等，会在当伴奏声部增多时悄悄地出现，牢牢把各个声部有机地粘起来，并且在节奏填充的时候加入一段烘托推进的短小旋律。制作这个声部的时候一是注意音量，不能喧宾夺主，不能吵，避免和主要伴奏乐器的音区音型冲突，二是注意发音数，一个双手的大三和弦就可能占用10个以上发音数，将导致吃音现象，而一个自动伴奏发音数都不够用的琴，呵呵.....三是注意选择和弦音。当铺垫声部起模拟副旋律的作用时，显然不可能把全部和弦音都演奏出来，所以具体是三音，五音还是根音，慎重。一般三音强调和弦的大小属性，五音提示和弦的解决方向，根音嘛，可有可无。（贝司手会不高兴的：）当然，根音加五音的方式，永远不是太唐突的。

　　7、外音的使用。对于自动伴奏，你不可能要求它太聪明，虽然高级的琴综合了各种伴奏可能出现的突然因素而运用了模糊原则（对于简单和弦丰富化，对于复杂和弦简单化，而像YAMAHA PSR-410更是在16分歌谣节奏的九和弦等出现时临时增加夏威夷的滑奏，转变奏节奏填充果断解决等等）但是还是要知道，主和弦上突然出现四度音的变化，对于下属和弦就是出现了一个降七音，对于降七和弦就出现了降三音，这很可能会使你的伴奏在主和弦上是和谐可用的，但是一旦模进到别的功能和弦上，就是错误的不合适甚至是可笑的。然而一个没有外音的自动伴奏又是呆板木纳没有灵性的。制作自动伴奏都是建立在主和弦行进通畅，模进到别的和弦上又是可行的基础上。所以，一般制作自动伴奏的时候，都选择包含在自然大调音阶里的三度叠置作为外音。一般二度音要转位到上方九度（除非是钢琴柱式等）。这些都依赖每个制作者的经验。

　　8、量化和动态。并不是所有风格都要求音符精确到标准时值的，一般个人认为鼓声部量化得多一些，舞曲风格需要精确量化，而贝司以及主要伴奏声部尽量不量化，显得人性化些，而SHUFFLE，SWING和拉丁等等风格，都有自己的所谓摇摆动态，不同的动态会体现不同的音乐情绪，这就肯定不能量化了。当然，在每小节的最末拍要特别强调拍子对齐时值精确，因为....和弦转变和连接的瞬间如果不整齐，会像一个缺乏磨合的乐队合奏时出了错。

　　9、个性的限制。这对于前奏式尾奏式的开法制作是一个原则。一般电子琴指定前奏尾奏大小调性判断都是简单地在主调的基础上加三个升号或三个降号（基础调是大调，判断成同主音小调就加三个降号；基础调是小调，判断成同主音大调就加三个升号）（高级电子琴厂设的大调式开法跟小调式开法有时候会是完全不同的两种内容，但不知道是不是提供用户这个功能。）这样，太个性的旋律，当你作为大调演奏时，可能很灵感很另类，可当被判断成小调演奏出来，很可能非常荒唐。所以宁可在旋律和弦素材上选择得通用性强些个性少些，也避免电子琴曲解丑化你的本意。当然，如果你仅仅为一首歌而制作一个自动伴奏，就可以不考虑这个因素。不过如果是这样，还不如把整首歌做成MIDI假弹更保险更完美：）

　　10、训练。制作自动伴奏其实就像是在训练一个很古板的学生学习编曲知识。当然你自己应该是一个经验丰富的老师，并且要充分了解你学生的短处。不同的琴会有不同的自动伴奏制作原则，了解了所有因素，才能做出象样的自动伴奏。我们相对电子琴生产商的专业设计师，差距是巨大的，怎么才能做出象样的用户自动伴奏型，我们要做很多功课，甚至得去揣摩设计者提供的每个功能，规定的每个限制原则是出于什么要求，这些我们都做到了，一定能做出自己满意，符合现场伴奏需要的漂亮自动伴奏。

　　很抱歉本人对民族音乐研究很少，没有关于民族音乐自动伴奏的制作经验。我想，任何风格的自动伴奏制作都离不开乐器演奏法则的原则。当然，风格化是自动伴奏制作的基础，现在的所谓民族风格，真正能做到很完美的不多，也许东方音乐的理论基础跟西方音乐区别太大，这方面比较成功的例子恐怕还是新民乐的伴奏。也许可以考虑民族风格的流行化，虽然有点不贴近本意，但是听起来耳目一新也是一种成功。
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